1. 지각과 현상

1)Steven Holl의 건축과 현상

홀에게 있어서 현상학은 본질 연구에 관계된 것이고, 건축은 본질을 존재하게 하는 숨은 힘을 가지고 있다. 즉 형태, 공간, 빛의 엮음을 통해서 건축은 특정한 대지, 프로그램, 건축으로부터 드러나는 다양한 현상을 통해 일상적인 삶의 체험을 확대할 수 있다. 홀의 이러한 현상학적 접근은 공간과 형태, 빛을 통한 구체적이고 감각적인 지각을 통한 체험에 파고든다.

[ 현상의 경험, 즉 물체의 지각 Perception과는 구별되는 공간과 시간에서의 지각 Sensation은 건축을 위해 전 이론적인 토대를 제공한다. 다시 말해, 그런 지각은 이론 이전이다. 그것은 우선되는 사고를 요구한다. 지각의 문제를 다루는데 있어서 현상학은 우리로 하여금 건축을 걷고, 만지고, 들음을 통해서 경험하게 한다. ‘사물을 보는 것’은 기능적으로 세상의 노이로제 아래의 세상으로 미끄러져서 들어갈 것을 요구한다. 자물쇠 없이 우리가 열쇠를 가지고 있는 지하 도시는 신비로 가득하다. ]

홀에게 생각하고 보는 방법으로서 현상학은 건축적 개념을 위한 매개체이며, 믿을 만한 철학에 있어 살아 있는 체험의 중요성을 회복시킴과 동시에 이전에 존재했던 상황의 지각을 신뢰하게 한다. 따라서 건축에서 현상학의 적용은 지각의 문제를 낳는다. 홀은 이러한 현상학의 적용을 위해 대지에 내재되어 있는 잠재력과 주어진 프로그램의 가능성을 건물과 통합함으로써 건물과 대지의 통합에 의한 개념을 추출하고, 이 개념을 지각적이고 감각적인 경험을 통해 현상적 공간으로 구체화한다. 즉 홀의 건축 작업은 건물과 대지의 통합을 통해 이끌어낸 개념과 현상학적 접근 사이에서 혼합 방식으로 진행되어 간다.

이러한 경험을 위한 현상의 변화 요인으로 ‘빛의 변화’와 ‘신체의 움직임에 따른 봄의 이동’을 사용한다.

① 빛의 변화

빛은 비물질적 실체로서, 그 현상을 드러낼 때 빛을 받는 소재와 형태 및 기타 제반 조건들과 상호 작용하여 조형적 측면에서 새로운 시각적 이미지를 창출하며 그 시각적 효과를 늘리는 역할을 한다. 인간이 사물을 지각함에 있어 사물에 부여되는 빛의 상태나 광선 등의 특성은 실체를 가시화할 뿐만 아니라 보다 더 직접적으로 인간의 감각에 영향을 준다.

가. 현상적 렌즈로서의 물

물은 일반적으로 빛을 반사, 굴절, 투과 시켜, 물의 표면에서는 잔물결에 의해서 다양하게 변형된 빛을 볼 수 있다. 우리는 다양하게 변형되어 드러난 빛을 관찰함으로써, 대상물뿐만이 아니라, 현상 그 자체를 지각할 수 있게 된다. 또한 물은 대상물을 반사함으로써 공간을 반대로 만든다. 이런 물의 효과를 고려한다면 물은 형상을 투영하는 ‘현상적 렌즈’로 생각될 수 있다.

홀은 ‘현상적 렌즈’로서 물을 적극적으로 디자인에 활용하였다. [Fukuoka Housing]에서는 물의 ‘굴곡 현상’이 디자인의 주된 추진력이 되었다. 다섯 개의 건물 사이에 만들어진 'void space'에 각각 연못을 도입했는데, 이 부분에서 두 면은 알루미늄 패널과 콘크리트 베어링 벽으로 한정되었고 나머지 두면은 개방되어 빛이 유입되었다. 이 연못에 반사된 빛은 서로 다른 재료의 면에 투영되어 변형 되었다. 움직이는 물에 의해서 다양하게 변형된 빛의 패턴은 주거 내부의 천장과 처마 아래쪽에 비추어 물의 정원과 주변의 아파트를 연결하였다.

나. 재료를 변형함

홀은 건축 재료를 사용하는데 있어서, 그것의 자연적 본성을 잃지 않고 그것을 오히려 더욱 증대시키는 방향으로 다양하게 변형한다. 유리를 굽힘, 주조, 모래뿜칠 등으로 변형함으로써 빛을 산란/집중시키고, 금속의 경우 표면과 색의 풍요로운 물질성을 창조하기 위해서 굽힘, 주조, 모래뿜칠, 산화를 통해서 변형한다. 재료의 변형은 빛의 변화를 유도함으로써 현상을 지각적으로 활성화한다. 따라서 재료는 건축 작품을 체험하는데 있어서 개념을 이해하는 도구로 이용된다.

[Giada Showroom]에서는 외부의 복잡한 상황을 입면에서 밀도 있게 압축하고 내부에서 이것을 이완시키는 개념을 발전시켰다. 여기서 재료는 이원적인 느낌이 들도록 외부에서는 주조한 유리와 3인치 두께의 굽은 유리, 황동판 등으로 무겁고 밀도 있는 재료가 사용된 반면, 내부에서는 알루미늄과 청동와이어, 황동메쉬 등으로 가벼운 재료를 사용했다. 산화되어 붉게 빛이 나는 황동은 ‘ㄱ’자 모양으로 테두리를 형성하고 있고 이것은 안쪽으로 접혀서 입구를 형성한다. 여기서 다시 황동면은 정면에서와 같이 두 개의 ‘ㄱ’자로 분절되어 진열장을 만든다. 시간이 지남에 따라서 이 황동면은 산화가 진행되어 변형될 것이다. 유리 역시 평유리와 굽은 유리, 주조한 유리로 변형되어 사용되며, 이것으로 빛은 변형되어 내부 공간으로 유입된다. 특히 황동판에서 발산하는 산화 빛이 굽은 유리를 통해서 빛이 날 때, 그것은 주변의 표면에 울퉁불퉁한 밝고 어두운 줄무늬 패턴을 만들고 주조한 유리의 경우 빛을  유리 내부에 잡고 그것을 은은하게 퍼뜨린다. 빛의 이러한 집중과 확산은 신비스럽고 흥미로운 현상적 성질을 만들어낸다.

다. 색채의 사용

색의 경험에 영향을 주는 힘은 부가적으로 변하는 성질뿐만 아니라 사용 가능한 빛에 따라 기능한다. 광택이 나고 혹은 광택이 제거된 표면의 반사도에 있어서 변화, 불투명과 투명한 색 사이의 차이, 그리고 반사된 혹은 투사된 색의 독특한 특성은 현상학적 색의 큰 변화를 제공한다.

[D.E.Shaw & Company Offices] 프로젝트에서 홀은 회사의 주요한 업무인 만질 수 없는 전자 상거래를 비유로 하여서 ‘투사된 색’의 개념을 생각했다. 칼라 와쉬는 벽 뒤로 들어오는 태양 빛과 보이지 않는 표면으로부터 투사된 색의 섞임에 따라 미묘한 경험을 제공한다. 공간은 이 투사된 색을 통해서 보여 지고 그것에 의해서 정의된다. 모든 색이 기하학적 공간의 뒤, 접혀진 숨어있는 표면에 있기 때문에 화려한 색 - 형광성의 녹색, 노란색, 오렌지색 - 이 사용될 수 있다. 투사된 색은 주어진 날의 태양 빛의 강도에 따라 스며듦이 다르다. 태양의 움직임은 색을 활기 있게 만들고 시간에 따른 현상의 유형을 유도한다.

② 신체의 움직임에 따른 시점의 이동

홀은 동적 시각에서 생기는 현상의 변화 요인으로서, 존재 형태와 지각 형태의 다른 점에 대해서 주목하여 시점에 따라서 변화되는 현상을 체계적으로 연구하고 그것을 디자인에 반영함으로써, 신체의 운동을 활성화 한다. 이것은 다 시점 투시도의 작성과 연속된 투시도의 겹침을 통해 드러나는데, 이것을 지각적으로 활성화시키기 위해서의 동선의 다양화, 연속한 공간 구성, 잘라진 면의 변형 들을 사용한다.

가. 동선의 다양화

홀의 건축에서는 필요 이상으로 다양하게 얽혀져 있는 동선이 자주 발견된다. 이것은 현상의 변화를 적극적으로 활성화하기 위함이다.

[Fukuoka Housing]의 북쪽 입면에서는 필요 이상으로 과도하게 다양한 동선이 얽혀 있는 것을 볼 수 있다. 이것은 각 거주자가 각각의 외부계단을 따라 단위 주호에 이르는 동안 변화하는 현상적 체험을 독자적인 것으로 유도하기 위함이었다. 이 계획에서 홀은 복잡한 중국식 상자처럼 서로 맞물린 단면을 계획하였다. 이것은 거주자 개인의 입장을 차별화한 것으로 모두 28개의 아파트가 각기 다르게 계획 되었다. 동선 또한 다르게 설정되었는데, 즉 서로 다른 각각의 아파트 주호에 접근하는 방법은 제각기 다르게 얽혀져 있다. 특히 북쪽면의 외부 계단은 건물을 중심으로 회전운동하면서 다양한 각도로 휘어져 있어, 방문자의 움직임에 따라 변화되는 다양한 시선을 만든다. 이렇게 복잡하게 구성된 동선은 거주자들의 직접적인 만남을 대신하여 시선에 대한 마주침을 제공함으로써 공동체 의식을 형성하게 하는 중요한 요인으로 작용한다. 또한 이 외부 계단의 재료는 금속으로 되어 있기 때문에 이 북쪽 공간은 무거운 콘크리트를 배경으로 조용하게 울리는 ‘소리의 공간’을 형성하기도 한다.

나. 연속된 공간 구성

홀은 신체의 움직임에 의한 시점의 변화를 고려하여 연속적인 공간을 구성한다. 이것은 결과적으로 방문자의 운동을 유발하게 되며 그 곳에서 현상적 공간을 체험하도록 한다.

[Eerlin AGB Library]에서는 개방 서가를 순회로 주위에 배치하여 방해받지 않고 책을 볼 수 있도록 배려하고 있다. 순회로는 기존 건물을 둘러싸고 있는 열린 고리 모양을 형성하고 있고, 증축 건물은 기존 건물을 압도하거나 압도당하지 않은 채 적절한 균형을 유지하고 있다. 이것은 결과적으로 방문자의 운동을 유발하게 되며 그 속에서 방문자는 현상적 공간을 체험하도록 유도된다.

연속된 공간은 네 개의 크고 작은 공간들의 배열로 이루어져 있다. 공간과 공간이 전이되는 곳에서는 공간의 진행 방향과 서로 직각 방향으로 계단이 놓여 있으며 이것을 통해 방문자는 연속된 공간의 변화 양상을 살펴 볼 수 있게 된다. 판 또한 계속적으로 이어지고 있다. 연속된 판이 내부로 확장함을 통해서 시선이 공간의 방향과 함께 진행되어 방문자의 움직임을 유도하게 된다.

다. 분절된 판의 변형

신체의 움직임에 따른 시점의 이동을 디자인에 반영하기 위해서 홀은 다양하게 분절된 판을 사용한다. 분절된 판에는 서로 각기 다른 재료를 사용하고 이것은 다양한 각도로 조합된다. 이것은 건물을 체험하는 방문자의 위치에 따라서 시지각적 현상이 변한다는 사실에 대한 반응으로 보인다.

[Makuhari Housing]에서 홀은 태양의 변화와 투시도 효과를 고려하여 배치안을 변형시켰다. 벽은 그림에서와 같이 분절되었고, 몇 개로 분절되어 다양한 각도로 휘어진 입면은 방문자의 초점을 분산시킨다. 그 결절부에는 인공 구조물을 설치함으로 형태에 자율적인 역동성을 부여했다. 따라서 방문자는 시점을 이동함에 따라 다양하게 변화하는 외부 공간을 만나게 된다.

2) Daniel Libeskind 건축의 현상적 고찰

다니엘 리베스킨트는 독특한 공간개념을 선보이고 있다. 그의 공간개념은 가시성과 비가시성, 존재와 부재, 인간의 움직임으로 인한 우연적이고 사건발생적인 공간, 이질적이고 복수화된 공간, 기억과 역사를 통한 장소성의 추구 등으로 대변될 수 있다.

리베스킨트가 공간개념을 설명하며 자주 언급하는 가시성과 비가시성의 개념은 메를로 퐁티의 존재와 세계의 가시적인 것과 비가시적인 것의 관계에서 영향을 받은 것으로 보인다.

메를로 퐁티는 우리가 세계 속에 존재하는 사물을 바라볼 때, 어떠한 빈틈이나 어두운 곳도 없는 존재의 총체적인 모습을 보는 것뿐만 아니라, 빈곳과 무의 틈과 어둠의 그늘에 가려진 비가시적인 것을 함께 바라본다고 말했다. 사물의 보이지 않는 깊이가 이미 나의 몸을 향유하고 있는 것이다. 이러한 비가시적인 것은 가시적인 것을 보이게 해주지만, 스스로는 보이지 않는 본질, 의미, 관념 등이 된다. 의미는 비가시적인 것이다. 그러나 비가시적인 것은 가시적인 것과 모순 되는 것이 아니라 가시적인 것은 스스로 비가시적인 것의 내적 뼈대를 갖고 있다. 그리고 비가시적인 것은 가시적인 것의 은밀한 상대방이고, 비가시적인 것은 가시적인 것 속에서만 나타난다. 비가시적인 것은 세계 속에서만 우리에게 현전하는 표상되지 않은 것이다. 비가식적인 것은 세계를 보다 더 의미있게 하고, 그 의미를 가시적인 표면성에서만 발산시키게 하지 않고 가시적인 것의 저 아늑한 깊이에서 울려 퍼지도록 한다. 이처럼 가시적인 것과 비가식적인 것, 내 몸과 세계라는 몸은 서로 거리를 두고 있으면서도 상호 얽혀 있고 상호 영향을 주고받는다.

리베스킨트는 한 인터뷰에서 “건축의 가시성은 건축의 보이지 않는 측면을 구성한다. 그래서 가시성과 비가시성은 사실상 건축을 창출하는 동반자이다. 지난 2백년동안 대부분의 건축가와 도시 설계자들은 아버지의 권리나 건축의 가시성에 치우쳤고, 전시를 보여주는데 주력했다. 때문에 중요한 것, 이 분야에 대한 보다 오묘한 해석을 무시했다. 모습을 드러내지 않는 부분에 참여하지 않은 것이다. 그것은 물론 이성적인 설계 접근이다. 나는 좁은 형태나 값싼 시학으로서가 아니라, 건설적인 논리로서 비 가시성이 지적되어야 한다고 믿는다.”라고 하였다. 이 말은 명백히 메를로 퐁티의 ‘가시성과 비가시성’을 연상케 하는 말이다.

이 가시성과 비가시성의 문제는 리베스킨트의 대표작이라고 할 수 있는 [ 베를린 유태인 박물관 증축안 ]을 설명하면서 명확하게 드러난다. “그래서 새롭게 증축된 부분은 보이지 않는 허공이 이처럼 분명하게 나타나는 상징으로 인식된다. 허공과 비가시적인 것은 베를린이라는 공간에 모여서, 이름 없음이 고요한 이름 속에 남아 있는 건축으로 드러난다. 간단히 말해서, 박물관을 가로지르는 유태인 박물관의 허공인 구조적 뼈대가 있는 지그재그이다. 그리고 이 허공은 박물관에 있는 모든 사람에게 자신의 부재의 존재를 경험하게 한다. . . . 그것은 콜라주나 충돌, 단순한 변증법이 아니라, 보이지 않는 것 주위가 아니라 중심 주위에 구성된 새로운 형태의 구성이다. 또한 보이지 않는 것은 베를린의 풍성한 유태인 유산으로, 물리적으로 소실되었기 때문에 문헌 보존이나 고고학적 자료가 되어 버렸다. 나는 이 같은 계획이 이제 모든 인간에게 해당되는 질문들과 건축을 연계한다고 믿는다. 베를린에 있는 유태인 역사가 근대성의 역사, 이러한 역사의 소실의 운명과 분리될 수 없고 한데 묶여 있다는 말이다. 하지만 어떠한 분명한 형태를 통해서가 아니라, 신념, 의미의 부재와 인공물의 부재를 통해 묶여 있다. 따라서 부재는 사람들의 공통된 희망을 철저하고 완전히 색다르게 연결하는 역할을 한다. 이것은 박물관이나 건축을 하나의 부착된 기념물이나 기억될 만한 부착물로 줄이지 않는 개념이다. 치유할 수 없는 믿음의 상처를 통해 유태인과 베를린 역사를 재통합하는 개념으로, 히브리서에서는 ‘바라던 것의 본질, 보이지 않는 것의 존재’이다.

이것은 리베스킨트가 건축공간을 그 속에서 관람자들의 몸을 중심으로 전개되는 움직임, 창의 형태와 빛에 따른 대상의 가시성과 비가시성, 즉각적으로 드러나는 재료들의 현전의 의미, 그리고 장소성이라는 개념으로 생각한다고 보여 진다. 그러므로 그가 말하는 공간은 인간의 온몸으로 체험되기를 원하는 현상학적 공간으로 판단된다.

① 경험의 기하학

다니엘 리베스킨트의 공간개념은 선의 개념으로부터 시작한다. 그의 작품 속에 그 내부를 관통하고 있는 것이 바로 선의 개념이다. 그의 드로잉들은 매우 세실하게 그려진 선들이 복잡하게 얽혀 있어서, 일반적인 건축 드로잉들과 비교하여 매우 이질적으로 보인다. 불규칙적인 선들과 기하학적이고 폭발적인 형태가 계속해서 불안정한 형상을 제공한다. 베를린 유태인 박물관은 <Between the lines>라고까지 불렀는데 “이 건물에는 두 개의 선이 존재하는데, 하나는 직선이지만 많은 파편들로 부서지는 선이고, 또 다른 하나는 뒤틀린 선이지만 불명확하게 계속적으로 연속되는 선이다. 이러한 두 선들은 제한되지만 명확한 대화를 통하여 건축적으로, 프로그램적으로 발전한다.”라고 하였다.

그에게 있어 선은 기하학과 건축적 현실을 내포하는 것으로, “그것은 선험적이고 절대적인 이상성을 가지는 것으로, 기하학, 비례, 스케일, 질서를 가능케 하는 것이다.” 둘째, 세계의 경계인 공간의 지평을 결정하는 한계로, 지평선이면서 하늘의 경계인, 몸으로 지각되는 지평의 한계이다. 셋째로 몸과 시간의 움직임을 담고 있는 것으로 이해된다.

② 몸과 움직임에 의한 공간의 구축

리베스킨트는 선에 대한 독특한 해석을 통해 시간과 몸의 움직임을 공간 속에 부여하게 된다. 그의 건축은 관람자들이 선을 따라 이동하면서 삼차원적 경험을 하게 하는 자유로운 공간을 구축한다.

그의 베를린 유태인 박물관을 보면 관람자들은 주변 공간과 상호 교감을 통해서 3차원의 감각이 이루어진다. 관람자는 건물 내부에서 기울어진 바닥, 막다른 곳, 일련의 접힘과 펼쳐짐의 공간을 직면하게 된다. 리베스킨트는 관람자가 움직이면서 지각되는 건축 공간을 통해서 결코 예상하지 않았던 무엇을 보게 하고, 창문을 통해 밖을, 또 다른 생각을, 또 다른 나무를, 하늘의 또 다른 구름을 볼 수 있게 하였다. 단지 건물이 존재하고 있는 현실 있는 그대로를 받아들이고 그들과 의사소통해야 하고, 공간은 인간의 움직임에 의해 경험된다.

③ 장소성

리베스킨트는 장소성에 대해서도 많은 관심을 가졌다. ‘장소의 혼’을 불변의 것으로 추구, 거기서 도시와 건축의 유일성을 찾으려고 하였다. 그의 장소성은 기억과 시간에 담긴 부재하는 것들의 두께를 드러내는 것이다.

베를린 유태인 박물관은 지하 공간과 전체 지하 박물관과의 3개의 다른 목적지로 이끄는 길을 가지고 있다. 박물관에서 연속되는 계단을 통해 나아갈 때, 갑자기 망명 정원과 대학살 타워를 발견하게 된다. 대학살 타워의 공간은 완전히 거대한 공간, 매우 폭이 좁은, 그리고 전혀 난방이 되지 않는, 그래서 겨울에도 추운 그러한 공간으로 되어 있다. 이것은 전례가 없는 공간으로, 사람들이 박물관에서 본 것을 마음속에 정리하고, 반향하고, 숙고할 기회를 준다. 물론 예술이나 역사를 보여주기 위한 전시뿐만 아니라 관람자들이 경험했던 것들에 대한 문제들을 그들 스스로 불러일으킬 수 있는 새로운 전략과 새로운 방법을 찾아보는 공간이기도 하다. 내부의 망명 정원과 대학살 타워 공간은 그곳 그 장소가 가지고 있는 장소의 혼을 불러일으키고자 한 것이다. 그래서 유태 박물관 개념의 기초는 땅에서부터 출발한다. 새로운 건물은 이러한 장소가 지니고 있는 흔적 위에 덧 쓰여 진다.

2. 기계 미학

1) Archigram

아케그램은 개인의 활동적 연합체이다. 1961년 피터 쿡, 미이크 웨브, 제이비드 그린, 론 헤론, 웨렌 초크, 테니스 크롬프턴이 참여하여, 테크놀로지에 경도된 다양한 건축적 디자인들을 수행하였다. 이들의 작업은 신체의 테마를 개인적 스케일에서부터 도시적 스케일까지 확장한다. 대표적으로 쿠시클, 워킹 시티 등을 들 수 있다.

쿠시클 Cushicle은 Air-cushin tricycle의 합성어로서 마이크 웨브의 작품이다. 이것은 모든 인간의 환경을 인간이 직접 등에 지고 다니는 것이 가능하도록 고안된 장치이며 필요할 때 부풀릴 수 있다. 최소한의 노력으로 매우 높은 수준의 안락함을 누릴 수 있다고 한다. 쿠시클은 골격과 외피의 2부분으로 구성되어 있다. 골격 부분은 다른 장치들을 위한 차대나 지지부를 형성하며, 외피 부분은 기본적으로 스크린으로 피부를 가진 부풀려진 외피이다. 쿠시클은 음식과 물을 가지고 다닐 수 있고, 라디오와 TV 등은 헬멧에 장치되어 있으며, 난방도 갖추고 있다고 한다. 골격 부분은 인간의 뼈와 매우 유사한 형태를 취하고 있고 외피는 인간의 피부와 마찬가지로 외부로부터 신체의 내부를 보호하는 역할을 담당하도록 구성되어 있으며, 라디오와 TV등은 인간의 감각 기관으로서 역할을 담당한다. 이들 시스템들은 각각 독립적으로 구성되어 있으며, 이들의 결합으로 통일된 전체를 구성한다. 말 그대로 인간의 신체를 확장시키는 기계 시스템으로서의 건축인 것이다. 1964년작인 ‘워킹 시티’에서 이키그램은 ‘이동’의 감성을 도시적 차원으로 확대시킨다. 이것은 고착되지 않은 변화하는 이미지이며 거주자의 요구를 즉각적으로 수용하여 이동하며 다리로 걷는다.

데이비드 그린의 gardner's notebook은 ‘전자적 원시인’이라는 제목을 하고 있다. 무언가 환희를 제공하는 원천을 향해 갈구하는 듯한 자세로 구부린 발가벗은 남자의 모습은 현대인을 나타내는 것이 분명하지만 태초의 원시인의 행동과 다를 바가 없다. 하지만 이 남자가 마치 종교적인 태도로 향하고 있는 쪽에 있는 것은 원시사회의 필수조건이었던 불도 아니고 종교적 믿음의 상징도 아닌 텔레비전이다. 현대인은 어디든 멀리 떠날 수 있는 조건 하에 있고 새로운 장비를 장착할 수 있지만 안락함과 편안함, 행복의 느낌을 표현하는 행위의 의미와 그 근본적인 장소, 즉 신체는 변하지 않았다. 이는 기계시대에서 전자시대로의 전환이 더 이상 인류로 하여금 자신의 신체적 한계로부터 벗어나는 것만을 추진하는 것이 아니라, 오히려 이러한 환경 속에서 극단적인 안락함을 찾아 나섬으로써 위안을 삼게 되는 현상을 낳는다는 것을 보여준다. 현대인은 가장 기본적이고 일상적인 삶의 요구를 테크놀로지 속에서 충족해야 하는 이중적 상황에 놓이는 것이다.

피터 쿡의 Plug-in City 역시 건축적 대상으로서 신체로의 전환을 보여준다. 이 제안의 프로그램과 구축 방식은 전체 도시환경의 변화에 대응하여 발생 가능한 상황에 대한 실험적인 반응이다. 플러그인 시티는 커다란 스케일의, 네트워크처럼 짜여진 구조물을 적용하며 어떤 지형에서든 수용할 수 있는 접근로와 필수적 서비스들을 가진다. 이 네트워크 속으로 모든 요구들을 수용하는 유닛들이 위치한다. 유닛은 구조물의 정점에 있는 철로로부터 조정되는 크레인에 의해 조종된다. 플러그인 시티는 도시라기보다는 더 이상 도시에서 거주하기를 거부함으로써 개인의 영역을 이동 가능한 유닛으로 만든 것이다. 이 시도는 땅에 뿌리박은 건물에서 대지와의 접속을 끊어버린 장치로 전환한 것이다. 정교하고 과도하게 복잡한 거대구조들은 화려한 기계장치를 가진 새로운 주체를 제안하는데 이는 그것이 진보를 의미하기 때문이 아니라 일상적 삶이 인간으로 하여금 자신의 몸을 둘러쌀 새로운 장치들을 가지도록 요구하기 때문이다.

2) Coop Himmelblau

Coop Himmelblau는 초창기부터 건축과 신체의 문제에 집착했다. 그들에게 신체는 테크놀로지와 미디어와 전통적인 신체의 잡종이 된다. 이들은 신체의 내부공간을 개발하려고 하고 그런 실험을 건축에 사용하려고 하였다.

[ 이것은 그들로 하여금 신체 안팎을 뒤집게 하였으며, 보통 시각으로부터 숨어있는 인간 신체 내부의 건축의 형태를 외부의 건축으로 바꾸게 하였다. 그것은 공간에 대한 새로운 인식을 하게 하였고 신체, 기술, 그리고 제2의 피부로서의 건축이 공생하게 하였다. 그럼으로써 그들의 실험은 궁극적으로, 더욱 유연한 개념으로서의 ‘신체’를 목표로 한다. ]

그들의 관심은 신체와 건축을 연결시키는 것이다. 심장 박동을 듣고 볼 수 있게 만든 작품인 Heart Room과 Heart Room에 사용되었던 조각술을 이용하여 감정이 자연스럽게 표현되는 얼굴의 움직임을 빛과 소리로 전환하는 실험, 그리고 심장 박동을 이용하여 폭발을 야기하는 Heart Space 등의 실험을 통해 감정을 표출시키는 디자인 방법들을 시도하였다.

White Suit에서는 건축가 자신의 신체를 작업의 장소로 삼는다. 머리를 온통 둘러싼 헬멧은 내외부로 시청각적 정보들을 투사하고 신체는 이와 직접적으로 대면한다. 압축 공기를 넣은 조끼는 촉각적 정보를 제공한다. 이 프로젝트에서 주체는 고밀화 되고 오염된 환경에서 살아남기 위해 이동가능한 도시를 입고 다니는 외로운 유목민으로 상정된다. 이 작품의 자기 참조적 특성은 극대화된다. 여기서 인간의 신체는 기계와 직접적으로 결합됨으로써 건축공간은 소거되고 기계가 인간의 환경을 결정짓는 건축으로서 기능한다.

그들은 고전적 전통의 근대판인 신체적 유기체로서의 도시 개념을 신체의 외부에서 신체의 확장으로 인도했다. 투사의 보다 일반화된 작업이었지만, 신체와 건물의 어떠한 일대일 대응도 거부한다. 그들의 프로젝트들은 특정한 신체의 부분 혹은 전 신체와의 실제적인 동일시보다 훨씬 더 확장될 것을 계획한 것 같다. 그들은 정신과 신체의 상태를 대상에 투사하는 우리의 능력에 의존하는 심리학적 반응의 발생을 위한 기계처럼 보인다.

그리고 작업 과정에서는 언어를 사용하기보다는 body language를 통해 순간적인 감정을 표현하고 의사소통이 이루어진다. 선과 3차원적 형태로 변형되는 제스쳐를 통해 작동하는 자동기술로, 작품들은 지다이너의 바디 랭귀지를 말 그대로 도시의 지도 위에 새겨 넣는다.

[ 우리는 구두의 언어를 단순히 다른 것, 즉 신체의 빠른 언어로 대체하기 시작해서 그 방식으로 프로젝트에 대해 의사를 전하는 데 익숙해졌다. 그래서 헬뭇과 나는 더 이상 이야기를 하지 않는다; 지시와 제스쳐로 충분하다. 1987년, 인구 24만의 위성 도시를 건설하는 Melun-Senart 컴페티션에서 우리가 당선되었을 때, 바디-랭귀지가 최초의 드로잉이요, 최초의 모델이었다. Ronacher 극장에서도 마찬가지였다. ]

이러한 다양한 장치에 의한 감성적 공간은 건축을 통해 현대 사회의 복잡성과 다양성을 반영하고자 하는 의도에 의해, 팽창, 변환, 그리고 심상에서 발생하는 힘과 긴장에 의한 역동적인 공간을 형성한다.

3. 사이버 공간에서 실험

1) Macros Novak

물성이 탈락된 새로운 재료에 의한 사이버 공간의 건축에 대한 실험은 Liquid Architecture라고도 불리는 경향을 중심으로 전개되고 있다. Macros Novak은 비물질의 공간에 대한 보다 심도 있는 공간론적 탐구로 Liquid Architecture의 특성을 잘 표현해내고 있다.

Macros Novak은 Transmitting Architecture의 개념을 구체화 하고 있는데, 사이버 공간의 비물질성에 집중하면서 건축의 능동적 요소로서의 시간의 도입을 시도하고 있다. 건축이 몸의 연장이라면 Liquid Architecture는 그 자신의 외형의 변화를 일으키는 행위로 간주하고, 일정하고 불변하는 요소들을 다양하고 유동적인 것으로 대체한다. 또한 Liquid라는 용어는 animistic 물활론적인, animated 생기있는, metamorphic 변형의, categorical 범주에 속하는, 경계를 가로지르는 등의 의미로 사용한다.

이렇게 Novak이 ‘time-image'라고 표현하는 시간성의 표현은 사이버 공간 내에서 지속적으로 유동하는 형태로 나타난다. 그리고 건축을 무생물적 측면에서 다루어 온 태도를 버리고, 생명체로서의 건축을 형태요소들의 변화와 유동으로 표현한다.

Liquid Architecture는 단지 주제의 다양성 측면 이상으로 전통적 건축 논리에 대응하는 획기적인 전환을 요구한다. Liquid Architecture의 작업에서 보이는 끊임없이 변형되는 형태요소들은 기본적으로 현실의 물리적 제약에서 자유로운 사이버 공간의 비물질적 특성에서 기인한다. 이러한 시간적 특성을 도입한 형태요소의 유동과 변형은 실물 건축의 전통적 물성을 극복하고 비물질의 시각화와 구조적 특성에 관한 상징적 제시라고 볼 수 있다.

또 Implicit Space 절대공간을 통해서 유클리드적 기하학 개념의 전환에 관하여 언급하고 있는데, Gauss의 뒤틀림, 곡률의 기하, Lobachevsky의 쌍곡선, 혹은 상상적 기하, Riemann의 변형된 타원형의 기하 등은 물질성에 기초한 공간개념으로는 이해될 수 없으며, 이러한 새로운 공간구성을 위한 알고리즘, 메카니즘의 화법이 요구된다고 말하고 있다.

사이버 건축에 있어서 표면은 고정적이지 않고 끊임없이 변화하며 공간요소의 추상성을 표출한다. 물질은 고유의 물성에 의한 표면을 가지지만 사이버 건축을 구성하는 요소의 표면은 특정한 성질을 보유하지 않고 유동적이며, 때로는 전송되기도 한다. 그러나 이러한 빗물질의 재료는 필연적으로 논리성을 갖는데, 그것은 물리적 세계의 경험적 인과 법칙이 소립자를 다루는 이론적 인과 법칙과 연결되어 있듯이 사이버스페이스의 경험적 인과 법칙 역시 ‘bit'를 다루는 이론적 인과 법칙과 연결되어 있기 때문이다.

4. ‘몸’과 사회가 엮는 다양한 관계

1) Diller + Scofidio

Diller + Scofidio의 작품들은 자주 사회 속에서 우리의 ‘신체’의 상황을 다룬다. 이들은 성의 선과 제도적 장벽들을 만들고 길들이는데 일조한 건축의 규정적 역할에 주목, 신체의 성적 구분에 따른 일상적 작업의 재고와 가정 내 공간의 숨겨진 억압과 경계를 드러내는 프로젝트를 통해 신체가 세계와 엮는 다양한 관계의 근원을 찾는다.

[ 건축은 문화적 전통을 유지시키는데 전형적으로 공범이 된다. 그러나 건축은 심문관의 역할을 할 수도 있다. 현대의 신체의 기술적, 정치적 재배치가 이루어지면 공간적으로 전통은 건축에 의해 의문이 제기될 것이다. 건축은 자신을 수술하는 외과적 도구의 일종으로 사용될 수 있다. ]

‘Withdrawing room’이라는 작품은 샌프란시스코에 위치한 백여년전에 지어진 오래된 집을 무대로, 주거의 기능과 다중적 장치를 제공하는 동시에 주거의 프로그램을 실험한다. 그들은 집이라는 공간 내에 비가식적으로 존재하는 제도적 슨들을 드러내는데, 소유 영역을 나타내는 선은 주택과 가구를 절개한다. 식당의 식탁은 천장 근처에 매달리고 더블침대는 2개로 나뉘어지며 공간을 통해 회전한다. 각각의 사적영역들은 개인의 침입에 의해 파괴된다. 바닥과 천정 등 물질적 경계를 없애고 생rusks 선이 만들어내는 자취는 그 동안 건축에 의해 지배된 기능, 안정된 공간, 그리고 이 모든 행동의 실마리들이 적극적으로 타도되고 일상적 활동과 가구의 의미를 다른 시각에서 바라볼 수 있게 한다.

친밀함에 관한 가정 내의 사적 질서에 관해 의문을 던지면서 그들은 침대를 중심으로 이를 조명한다. 거주자의 신체는 다른 신체와 관련이 있으며 이것은 성과 욕망의 거부의 문제로서 장치적으로 해소된다. 잘라진 침대의 교차지점은 새로운 벽이다. 이 벽은 기계적 힌지를 위치시키는데 이 힌지는 침대의 두개의 반쪽 부분을 접속한다. 닫혀진 위치에 있을 때 침대는 하나의 벽을 파고든다. 이 점유자들은 한 침대에 누워 있지만 공간적으로는 벽에 의해 분리된 채 남아 있다. 침대의 한쪽 반은 정지되어 있으며 다른 쪽은 인접한 사분면을 통해 180도 위치까지 자유롭게 회전하여 결국에는 침대 머리맡이 맞닿는다. 친밀감은 사적인 질서로서 거주자와 다른 거주자의 신체와 관련된 것이다. 이것은 성, 욕망과 거부의 문제와 관련되어 있고 침대가 주된 사이트이다.

식탁은 천정에 매달려 있고 각 의자는 디너 접시의 중심을 따라 회전할 뿐 아니라 앞뒤로 움직이도록 기계적으로 고안되어 접속도어 있다. 테이블은 미시적 조직의 무대이며 여러 가지 기존의 성립된 코드들이 여기서 펼쳐진다. 즉 호스트와 손님간의 의례, 성의 관계, 먹는자와 음식간의 행위적 관계, 테이블 표면의 위와 아래에 오브제들간의 의례들이 그러한 코드들이다.

5. 결론

고대로부터 현대까지 몸에 대한 인식은 시기별로 단절되어서 나타나는 것이 아니라, 개념과 수단이 확장되는 양상을 보이고 있다. 고대에는 몸을 척도로, 그리스 로마시대에는 신체 척도의 수열과 같은 인식으로, 인간 신체의 육체적 미만을 추구 하였다. 이에 모더니즘을 거치면서 단지 육체적 몸뿐이 아닌 신체의 체험까지 가미되었고, 현대에 들어서는 정신과 문화적 속성으로 확장되었다.

현상적 건축의 주체로서 신체를 바라보는 것은 건축과 이를 수용하는 인간의 신체에 관한 근원적 인식이다. 신체가 경험하고 움직이며 느끼는 인간의 총체적 감각작용에 호소한다. 시각의 관조적 입장을 넘어서 직접 접하고, 일상 속에 반복적으로 체험하는 건축의 본원적 의미를 재구축하기 위해 신체의 문제가 필연적으로 다루어지게 된 것으로 볼 수 있으며 구축과 장소의 문제도 여기서의 접근과 연결되어 논의될 수 있을 것이다. 이러한 접근에서의 신체는 시대와 지역을 막론하고 누구에게나 동일한 인식을 가져다 줄 수 있는 신체의 안정적 특성에 기반하고 있다. 그러나 현대인의신체를 담는데 있어 현상적 건축의추구는 건축의 본질로의 접근을 행하는 것이나 현대건축과대도시의 복합적 상황에 대응하는 전략으로서는 충분하지 못하다고 보이며, 이론적으로 정립되기에도 다소 주관적 해석에 좌우되는 성격을 지닌다. 기술과 결합된 신체에 대한 인식에서 보면 이상적 신체가 표상하는 조화와 질서가 설득력을 잃은 현대적 상황에서 건축의 명확한 참조점으로서의 신체는 사라지고 이에 대응하여, 변형되고 유연한 새로운 신체가 등장한다. 이것은 주로 신체의 변형에 관한 이슈에 논지의 초점이 맞추어져 있으며 이에 대한 폭발적 관심이 건축담론에서 쟁점화된다. 의학과 인터넷, 전자 등 기술의 영향과 후기자본주의 사회의 시장논리의 흐름 등이 인자로서 신체에 작용하여 신체에 변형을 초래한다. 그러나 인간의 몸에서 추출된 특징에서 건축적 몸으로 넘어가는 과정은 비약이 심해지며 인간의 몸과 건축적 몸 사이에 관계성을 찾아 볼 수 없게 된다.

신체는 사회적인 ‘관계’속에 놓여 여러 힘들이 작용하는 지점이고, 우리가 외부와 소통할 수 있는 유일한 매개로서 타자와 관계 맺는다. 기존 건축공간의 관습적 공간이 신체들을 어떻게 조율하고 주조하는지에 대한 Diller + Scofidio의 급진적 탐구를 앞에서 살펴보았다. 이렇게 바라본 신체의 접근에서는 우리의 건축과 도시공간에서 배제된 타자를 인식하는 방법으로, 관계를 매개하는 ‘경계’로, 그리고 관습적으로 제도화된 시설과 공간을 재인식할 수 있는 기회로서 인식되고 있다.

이렇게 살펴본 현대 건축에서의 ‘몸’에 관한 다양한 인식들은 완전히 별개의 관점들이 아니다. 각 관점들은 서로를 보완하면서 정신과 문화적 영역으로까지 확장된 하나의 거대한 현대적 사유로서 사회를 구성하고 있다.