한국의 극사실주의 회화연구 - 회화작가중심으로

연구주제  -  극사실주의는 1970년대를 전후하여 자본주의 사회인 미국에서 두드러지게 번창하였는데, 카메라 렌즈와 같은 고도로 개발된 사진술의 재현성에 힘입어 사실적인 요소를 더욱 더 사실적으로 표현하려는 움직임이라 정의할 수 있다. 극사실주의 작가들의 작품을 보면 자연을 보고 그리는 것이 아니라 사진을 보고 그리기 때문에 작가들의 작품은 사진의 이미지를 일부분 또는 전체를 사실적으로 표현 함으로써, 작가 개인의 감정이 들어가지 않는 객관적표현이 특징이다.

전세계의 극사실주의작품중 특히 한국의 극사실주의 작가들에게 보여지는 특징과, 방향이 있는지 연구해 보겠다.

한국의 극사실 회화는 미국 보다 10년정도 늦게 생겨났으며 60~70년대 모더니스트의 추상양식에 대한 저항으로 출현하였다. 당시 젊은 작가들을 중심으로 새로운 형상에 대한 요구가 일면서 발전하였는데, 한국의 극사실주의는 근본적으로 현실을 그대로 표현하는 미국의 극사실주의과 표현방법적으로 큰 차이를 보이지는 않는다. 그러나 한국의 극사실회화의 형상에는 거의 빠짐없이 작가의 주관과 해석적인 면이 포함된다는 것이 미국의 극사실주의와 다르다고 말할 수 있다.

-대표작가-

1>김창열

김창열은 1970년부터 극사실주의 기법으로 물방울을 그려 큰 충격을 주었다.

그가 물방울을 그리는 이유에 대하여 이렇게 말하였다.

“물방울은 유년시절 강가에서 뛰놀던 티 없는 마음이 담겨 있기도 하고, 청년시절 6.25 전쟁의 끔찍한 체험이 담겨 있기도 하지. 전쟁이 끝나고 나니 중학교 동기 120명 중에서 60명이 죽었어. 나이가 많아야 스물이야.

앵포르멜 작품에서는 총에 맞은 육체, 탱크에 짓밟힌 육체를 상징적으로 그리려 했던 것이지. 그 상흔이 물방울 그림의 출발이 되었어.”

김창열이 그리는 것은 진짜 물방울이 아니지만, 그의 철학에는 아픈 한국사를 지나는 자신만의 물방울 미학이 있다.

물방울 그림이 대중들에게 친근하게 읽히는 이유도 물방울이 한국인들의 흐르는 집단적 기억의 어떤 이미지와 무관하지 않기 때문이다.

한마디로 그의 물방울 그림은 사실주의와 추상화의 복합물이라 볼 수 있다.

한국의 극사실주의 회화는 뚜렷한 독창성을 자랑하는데, 한국의 극사실 회화 작가들은 작품의 소재나 주제를 주변에서 얻거나, 소재나 주제에 대한 재해석을 통한 작가의 주관이 이입된 작품을 창조하였다.

2>김홍주

김홍주는 쉽게 볼 수 있고, 하찮게 여겨지는 꽃이란 소재를 가장 얇은 붓으로, 가장 얇게 색칠한다. 김홍주는 또 한 1980년대 후반부터 현재까지 논이나 밭, 도시, 산, 지도, 문자, 꽃 등을 소재로 작업하고 있다. 여기에서 소재적인 차이는 중요치 않다. 꽃이든 문자든 풍경이든 작가는 동일한 방식으로 바라보기 때문이다. 이때 그린 풍경화는 가까이서 보면 산과 밭인데 멀리서 보면 뒤집어진 남자의 얼굴이 나타난다. 이에 대해 작가는 “왜 시골 풍경을 바라볼 때 산등성이가 여체로 보이고, 산의 굴곡이 사람의 얼굴로 보이는 경험을 하잖아요. 일반적인 경험을 낯선 풍경으로 만든 것이죠”라고 설명한다. 김홍주는 모든 사물, 주위의 인물과 풍경 등을 그저 평범하게 지나치지 않는다. 그것을 해체하고 재구성하여 낯설게 함으로써 회화의 우월성을 극대화시킨다.

그는 또 한 그림에 제목이 없는것에 대하여 이렇게 답하였다. “옛날엔 썼다. 창문, 거울. 쓰면서 창문일줄 뻔히 아는데 그렇게 제목을 다니까 우습더라. 제목을 달면 고정관념이 생긴다. 타이틀에 맞춰 의도를 찾으려하다보면 왜곡될 수 있다. 내 그림은 제목도 없지만 상하좌우도 없다. 꽃그림도 어떻게 보느냐에 따라 다르지 않나. 앞에서 옆에서 봐도 된다. 그래도 꽃이지 않나. 남이 설명해주는 것보다 직접 보고 느끼는게 좋지 않은가”

3>이석주

이석주는 70년대 하이퍼 리얼리즘 세대의 주역으로서 미국의 하이퍼 리얼리즘에 필적할만한 것임과 동시에, 우리의 극사실 형상의 '다름'이 어디에 있는지를 가장 잘 보여주고 있는 작가이다.

그의 작품은 극사실 수법을 취하되 매번 주제를 달리해 왔다. 초기의 벽돌에서부터 익명이 도시인들, 삶의 현장을 주제로 삼아왔고, 최근에는 자연과 인간의 문제를 다루고 있다. 물론 이러한 작품 속에는 기본적으로 오늘의 삶을 보는 우울한 작가의 시각과 육성이 깃들어 있다.

그의 서정성 자체가 비록 자연의 운치, 향수, 즉 분위기 전달을 통하여 나타난다고 하지만, 거기에는 분명한 단서가 붙는다. 그 단서란 도시적 모티브와 자연적 모티브의 대조라는 절차를 거치고 있다는 사실이며 따라서 이때의 내면풍경 역시 서사적 드라마처럼 우여곡절과 심한 기복을 갖게 함으로써 자칫 자아침잠이라는 유혹으로부터 벗어나게 한다는 사실이다.

꿈같은 세계의 불규정성을 가지면서 현실에 의해 무자비하게 유린된 삶을 상상의 드넓은 공간 속에서 아물려 주고 또 감싸주게 된다는 것이다.

4>지석철

의자를 주제로 극사실주의 작품에 몰두하는 작가이다. 그는 의자를 주제로 하는 이유에 대하여 이렇게 말하였다.

“이 땅을 지나갔을 숱한 사람들, 누군가 앉았다가 떠나간 빈 의자들의 부재(不在).

그 떠나고 없는 것이 시간이든 추억이든 회상이든 간에 우리가 잃어버린 것들에 대한 내면적 풍경을, 의자라는 메타포를 통해 인간에 대한 이야기를 나누고자 한다.

의자와 자연과의 만남은 분명 현실 저 편, 심연의 것에 대한 갈망이며, 비록 고독하고 외로운 인간의 삶이지만 작은 의자의 도상(icon)은 어쩌면 저 너머에 있을 희망찬 삶의 환희를 있는지도 모른다. “

지석철의 작업은 평면과 입체라는 두 측면에서 이루어지고 있다. 이 별개의 작업은 때때로 동시에 이루어져 평면과 입체의 명확한 구획을 애매하게 만들기도 한다. 평면 속에 부단히 입체가 들어오는가 하면, 입체적 장치 속에 평면이 침투하기도 한다. 그러니까 지석철에 있어 애초에 평면과 입체의 구획은 뚜렷한 차원으로서의 의미를 지니지 못한다. 지석철은 의자와 쿠션이라는 오브제를 통해 평면과 입체를 결합시킴으로써 애초에 이 둘이 다른 차원의 작업이라기보다는 쌍생적인 요소임을 보여주는 작업을 계속하고 있다.

결론 -

“미술사가 있는 것이 아니고, 미술가가 있다는 말이 있다. 관념으로서의 미술의 역사가 존재한다는 것이 아니고, 실존으로서의 미술가의 창조적 활동이 존재한다는 의미이다. 한국현대미술의 짧은 역사 속에서도 적지 않은 뛰어난 미술가등이 배출되었다. 한국현대미술의 역사는 바로 이 뛰어난 미술가들의 창조적 활동의 잠적에 다름 아니다. 보편으로서의 조형위에 개별로서의 실존이 한국 현대미술의 위상을 가늠하게 한다.” - 오광수<21인의 한국 현대 미술가를 찾아서>2003

한국의 현대미술은 짧은 역사에도 불구하고 작가의 꾸준한 노력에 의해 발전되어 왔다.

극사실주의가 서양에서 한국에 정착하기까지 서양의 모방이라는 인식속에서도 젊은 작가를 중심으로 꾸준히 지속시켜 표현의 한계를 넓혀왔다.

한국의 극사실 회화의 소재는 흙이나 돌, 물방을 등 자연물이 많고 생활 주변의 일상의 경우에도 극히 개인적 취향의 것을 소재로 하고 있다. 한국 작가들은 이러한 정감 있는 소재들을 가지고 근대 산업사회의 물질주의적 삶을 드러내고자 하였다. 특히 비회화적 소재들로 여겨졌던 타이어, 드럼통, 철조망, 표지판, 쇠, 벽돌, 레인, 맥주병등 회화적 표현에 적합한 것이 아닌 것들이 회화에 등장하게 되었다.

한국의 극 사실주의는 기성 작가들의 모더니즘 화법을 접목하여 기존의 극사실주의와는 차별화된 특성을 보여주었다. 작품의 제작이나 소재 면에서 한국적인 정서에 부합되게 제작과정과 주관적 이미지를 가진 사실적인 화풍으로 표현하였다.

극사실주의 회화는 유행처럼 지나가버리는 것이 아니라 작가들의 개인적인 성향과 발전과정을 거쳐 꾸준히 지속적으로 이어져 내려올 것이다.